Ernsthaft verspielt: William Kentridge im Museum of Fine Arts, Houston

Jessica Fuentes (JF): Ich kann mich nicht genau erinnern, wann ich das Werk des südafrikanischen Künstlers William Kentridge zum ersten Mal gesehen habe, aber als begeisterter Zeichner mit Interesse an zeitbasierten Medien weiß ich, dass es mir die Augen für etwas Neues geöffnet hat Möglichkeit, was Kunst jenseits der traditionellen Ölgemälde und Marmorskulpturen sein könnte, die mein Kunstlehrbuch an der High School füllten. Lange bevor ich das Gewicht der Geschichten, die seine Arbeit erzählte, erkannte, war ich fasziniert vom Prozess seiner Kohlezeichnungen, die durch Stop-Motion-Animationen zum Leben erweckt werden.

Als das Modern Art Museum von Fort Worth 2009 „William Kentridge: Five Themes“ präsentierte, einen Überblick über die Arbeit des Künstlers, darunter Animationsfilme, Zeichnungen, Drucke und Skulpturen, kam ich mehrmals vorbei, um die Filme anzusehen. Einige Jahre später hatte ich die Gelegenheit, einige dieser Filme im Rachofsky Warehouse und im Dallas Museum of Art zu sehen. Und im Laufe der Jahre habe ich Kentridge in meiner Rolle als Dozent im Klassenzimmer und in der Hochschulbildung weiterhin in meinem Lehrplan belassen, weil seine Arbeit auf die Studenten eine Wirkung hatte – auch sie waren von der Magie seines künstlerischen Prozesses fasziniert.

Als das Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) ankündigte, dass es William Kentridge: In Praise of Shadows präsentieren würde, fügte ich eine Houston-Reise zu meinen Sommerplänen hinzu. Brandon Zech, Herausgeber von Glasstire, und ich besuchten Mitte Juli gemeinsam die Ausstellung und verbrachten etwa zwei Stunden damit, Filme anzusehen, Zeichnungen genau zu betrachten und über Kunst zu sprechen.

Also, Brandon, was ist dir von diesem Erlebnis am meisten in Erinnerung geblieben, nachdem seit unserem Besuch etwa zwei Wochen vergangen sind?

„William Kentridge: In Praise of Shadows“, zu sehen im Museum of Fine Arts, Houston, 2023. Foto: Museum of Fine Arts, Houston

Brandon Zech (BZ): Unser Besuch war ganz anders als mein erster Rundgang durch die Show, der während einer Pressevorschau stattfand. Es war schön, dass Alison de Lima Greene, die organisierende Kuratorin dieser Präsentation, uns durch die Arbeit führte und über die Arbeit, die Leitprinzipien der Ausstellung und ihre Beziehung zu Kentridge sprach (die Ausstellung wird von The Broad und seinem Kurator (und manchmal auch …) organisiert Glasstire-Mitarbeiter Ed Schad). Doch egal wie großartig ein geführter Rundgang durch Kentridge ist, es gibt keinen Ersatz dafür, sich wirklich Zeit zu nehmen, um sich mit seiner Arbeit auseinanderzusetzen.

Das MFAH besitzt einige seiner Filme und hat sie bereits im großen Cullinan Hall-Raum des Museums gezeigt. Wann immer sie es tun, versammelt sich immer ein Publikum, das von ihnen verblüfft ist – was Sie insbesondere über die Kraft der Filme sagen, trifft völlig zu. Ich war erfreut darüber, dass diese Ausstellung so viele kinetische und Videostücke umfassen konnte. Obwohl die Galerien nicht klein sind, ist es nicht einfach, Videos in Shows zu integrieren, und bei Kentridge ist Video das A und O – das ultimative Produkt – der Arbeit.

Ein Animationsfilm von William Kentridge. Zu sehen im Museum of Fine Arts, Houston, 2023.

Das eigentliche Herzstück dieser Ausstellung ist der Videoraum direkt neben der ersten Galerie, in dem in chronologischer Reihenfolge eine Reihe von 11 Filmen abgespielt wird, die zwischen 1989 und 2020 entstanden sind. Dies war die größte Übersicht über sein Werk, die ich je gesehen hatte, und zwar überhaupt Im Raum zu sitzen und sie alle anzuschauen, ist eine Verpflichtung. Ich denke, die Filme allein erfüllen das, was ich von einer Überblicksausstellung erwarte: Die Stücke stellen einen nachweisbaren Fortschritt seiner Karriere als Künstler dar. Da wir uns über eine Stunde im Raum aufhielten, konnten wir beim Zuschauen auch beobachten, wie beeindruckt die Besucher von der Arbeit waren. Die Leute gingen nicht ein und aus, sondern kamen herein, setzten sich und blieben.

Die Videos haben eine Kraft, weil sie auf Erzählungen basieren, aber jederzeit zugänglich sind; Obwohl es einen Anfang und ein Ende gibt, können Sie mitten im Satz in die Geschichte eintauchen und die Reisen der Figuren verfolgen. Als ich sie sah, dachte ich über Videokunst nach, die ähnliche Ziele erreicht, und erinnerte mich an einen Artikel, den ich vor sieben Jahren über Künstler geschrieben hatte, die die Erzählfalle der Videokunst durchbrechen. Ich denke, ein Großteil davon wird in Kentridges Arbeit auch durch den hervorragenden Einsatz von Musik und Sounddesign erreicht (in jedem Video werden Musiker und Audioeffektkünstler genannt, was für mich auch bedeutet, dass Kentridge ihre bedeutenden Beiträge zu den Werken anerkennt).

Was haben Sie von den Videobeiträgen mitgenommen? War es anders, sie so zu sehen als die Modern-Show? Wir haben auch einige Zeit damit verbracht, über die angrenzende Galerie zu sprechen, die mit Zeichnungen gefüllt war, bei denen es sich um Arbeitsstills aus den Videos handelt.

JF: Ich denke, abgesehen von der Veränderung des Produktionswerts im Laufe der Jahrzehnte von Kentridges Arbeit war für mich vor allem die Beständigkeit auffallend. Seine Charaktere, sein Zeichenstil, seine Farbpalette, die Themen, mit denen er umgeht – alles ist über die Jahre hinweg bemerkenswert konsistent geblieben, ohne altbacken zu wirken. Zumindest gilt dies für die Arbeiten im Hauptvideoraum, die wohl die meisten Menschen mit ihm in Verbindung bringen. Einige seiner anderen Animationen in der Ausstellung unterscheiden sich in Stil und Präsentation deutlich.

Ich habe ein schreckliches Gedächtnis für Einzelheiten, daher bin ich mir nicht sicher, ob das, woran ich mich von der Modern-Ausstellung erinnere, korrekt ist oder nur meine Erinnerung daran, aber ich scheine mich an die meisten (wenn nicht alle) Videostücke zu erinnern eigener Raum in den Galerien. Meiner Meinung nach wurde dadurch die Videoarbeit als Hauptschwerpunkt der Ausstellung stärker in den Vordergrund gerückt. Beim MFAH befürchtete ich, dass jemand, der es nicht besser wüsste, davon ausgehen könnte, dass die Zeichnungen, die eigentlich Relikte der Videoanimationen sind, das Richtige seien; Sie könnten leicht am ersten Videoraum vorbeigehen, ohne die Bedeutung dessen zu verstehen, was sich dort abspielt.

Ein Standbild aus William Kentridges „City Deep“, 2020, HD-Video. Das Museum of Fine Arts, Houston, wurde gemeinsam von der MFAH mit Mitteln des Caroline Wiess Law Accessions Endowment Fund und der National Gallery of Art erworben. © William Kentridge.

Natürlich sind die Zeichnungen selbst faszinierend. Wenn man sich ein einzelnes Bild von Kentridges Animationen ansieht, wird deutlich, wie viel Arbeit in jedem seiner Filme steckt. Ich denke, mein Lieblingsteil der Zeichnungen waren die kleinen Randnotizen und Markierungen in Rot, die einige Informationen über die Dreharbeiten, einschließlich Timing und Schwenks, signalisieren.

Abgesehen von diesen ersten Räumen war ich am meisten überrascht und begeistert, Kentridges Skulpturen zu sehen. Ich glaube nicht, dass ich jemals seine kinetischen Skulpturen gesehen habe, und ich verbinde ihn so sehr mit Filmen, dass ich nicht erwartet hatte, skulpturale Werke zu sehen. Und genau wie seine Animationen war eine bestimmte kinetische Skulptur, Singer Trio, hypnotisch. Das Stück ist eine dadaeske und surreale Kombination aus Nähmaschinen und Metallkegeln, die durch eine Kombination aus Zahnrädern, Ketten und Holzlinealen aktiviert werden und eine eindringliche Audiospur von sich geben; Es hat mich völlig überrascht. Im Allgemeinen ist die Launenhaftigkeit von Kendtridges Werk zunächst überraschend, dann fesselnd und hat letztendlich eine transformative Kraft.

William Kentridge, „Singer Trio“, 2019, Singer-Nähmaschinen, vier Brustbohrmaschinen, antike Holzlineale, Weichstahl, Aluminium, Holz und Elektronik. Audiokomposition von Nhlanhla Mahlangu. Sounddesign von Gavan Eckhart. Technisches Design und Konstruktion von Chris-Walo de Wet und Jacques van Staden. Softwaredesign von Janus Fouché.

Kennen Sie Kentridges Skulpturen? Was dachten Sie über die kinetischen Skulpturen und die anderen Skulpturenstücke später in der Ausstellung?

BZ: Das war ich wirklich nicht. Abgesehen von den Videos habe ich das Gefühl, dass wir in Texas im Allgemeinen nicht viel von Kentridge haben, daher haben mich die Skulpturen, Künstlerbücher und Wandteppiche später in der Ausstellung überrascht. Durch seine Vorliebe für Zusammenarbeit ergaben die Skulpturen für mich jedoch einen Sinn. Wenn er bereit ist, einen wesentlichen kreativen Aspekt der Videos (das Sounddesign) an andere zu übergeben, dann ist er auch bereit, mit Experten für Webarbeiten und Bronzegüsse zusammenzuarbeiten. Es ist eigentlich der gleiche Arbeitsprozess: die Zusammenarbeit mit einem Meister seines Fachs, um die Vision des Künstlers zu verwirklichen.

William Kentridge, „Promised Land“, 2008, handgewebter Mohair-Wandteppich, gewebt von Stephens Tapestry Studio, Johannesburg, Südafrika, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. © William Kentridge.

Was ich interessant fand, ist, dass zwei Stücke – eine kleine Skulpturenserie und der riesige Wandteppich – beide auf der Designarbeit basieren (oder daraus hervorgegangen sind), die Kentridge für The Nose der Metropolitan Opera gemacht hat, eine satirische Geschichte darüber eine Nase, die ihre Unabhängigkeit vom Gesicht ihres Menschen erlangt. Die Bilder sind so beeindruckend – eine riesige Figur mit einer Nase statt eines Kopfes, die heldenhaft zu Pferd reitet –, dass man die Erzählung, den Hintergrund oder auch nur, dass die Bilder aus einer Oper stammen, nicht wirklich kennen muss, um sie zu verstehen zumindest einigermaßen mitmachen.

Das bringt Kentridges Arbeit auf den Punkt: Er ist ein Geschichtenerzähler. Ich denke, einiges davon ist ein Produkt seiner Erziehung (er stammt aus einer Anwaltsfamilie – sein Vater vertrat Nelson Mandela und Desmond Tutu), und anstatt vor Gericht Geschichten zu erzählen, manifestierte sich diese Form der Kreativität in Kentridge Bildsprache. Bei den Skulpturen erkennt man, dass etwas vor sich geht, und wenn man mehr Informationen hat, kann man es zusammensetzen. Das soll nicht heißen, dass das Werk langweilig oder unzugänglich ist – im Gegenteil, ich denke, es bietet ein gewisses Maß an Engagement, das gute Kunst den Besuchern bietet.

William Kentridge, „Stereoskop“, 1999, 35-mm-Film, auf Video übertragen. Die Broad Foundation, Los Angeles. © William Kentridge

Das Gleiche passiert in seinen Videos – im Hauptvideoraum diskutierten wir darüber, wie die Videos einem nicht den Eindruck vermitteln, Kentridge arbeite an Südafrikas nationaler Schande: der Apartheid. Stattdessen konzentriert er die Erzählungen auf seine Hauptfigur Soho Eckstein, die stellvertretend für das Land steht. Aber darüber hinaus machen die Videos diesen Mann im Nadelstreifenanzug zum Stellvertreter für alles, was die Zuschauer ihnen bringen. Hier kommen sein Talent und die Allgegenwärtigkeit seiner Arbeit ins Spiel. Es geht um etwas sehr kulturspezifisches, aber er hat einen Weg gefunden, es sowohl schmackhaft als auch zugänglich zu machen, ohne es dabei zu enttäuschen.

William Kentridge, „7 Fragmente für Georges Méliès.“

Während wir durch die Ausstellung gingen, diskutierten wir über diesen einzigartigen und effektiven Mittelweg, den seine Arbeit nutzt, um den Unterschied zu spalten. Wir haben auch gesehen, dass einige seiner späteren Arbeiten, insbesondere das Video 7 Fragments für Georges Méliès, sich auf sich selbst konzentrieren und Kentridge selbst in den Mittelpunkt stellen; oder Kentridge als Stellvertreter für den Archetyp des Künstlers. Glauben Sie, dass die Ausstellung eine deutliche Veränderung in der Herangehensweise oder den Zielen seiner Arbeit deutlich gemacht hat?

JF: Ich bin mir nicht sicher, ob das so war, zumindest nicht für mich. Ich denke, auch weil die Ausstellung eher thematisch als chronologisch organisiert ist, habe ich nicht nach größeren Veränderungen in seinem Werk gesucht oder darüber nachgedacht. Stattdessen war ich beeindruckt von der Vielfalt der Art und Weise, wie er Werke geschaffen hat, und davon, wie er trotz wechselnder Medien weiterhin Themen im Zusammenhang mit Rasse und Gerechtigkeit, generationsbedingtem Schaden und Trauma sowie Kolonialismus hervorhebt, alles durch sich wiederholende Handlungen (wie Bronze). Casting, Stop-Motion-Animation und kinetische Skulptur).

Betrachtet man jedoch die Entstehungsdaten der Dinge, so entstand die jüngste Kohleanimation im Videoraum, City Deep, im Jahr 2020, während das letzte animierte Stück im letzten Raum, Kaboom!, in den Jahren 2017–2018 entstand. Diese Werke sind in ihrer Produktion recht unterschiedlich, wobei „City Deep“ Kentridges ikonischem Stil folgt, Kohlezeichnungen aufzubauen und zu löschen, und „Kaboom!“ mit einer Reihe von Animationsstilen, darunter Zeichnungen, geschnittenes Papier und Text. Trotz ihrer stilistischen Unterschiede sind die Themen hinter den Werken verwandt.

William Kentridge, „KABOOM!“ (Ausschnitt), 2018, Dreikanal-HD-Filminstallation, Modellbühne, Papierrequisiten, Fundstücke und drei Miniprojektoren mit Ständern. Installationsansicht, Institute of Contemporary Art/Boston, 2020–2021. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Marian Goodman. Foto von Mel Taing. © William Kentridge. Foto: Museum der Schönen Künste, Houston

Ist Ihnen etwas an den übergreifenden Veränderungen in seiner künstlerischen Praxis im Laufe der Zeit aufgefallen?

BZ: Das ist keine so einzigartige Antwort, denn das Gleiche lässt sich über viele Künstler im Laufe ihrer Karriere sagen, aber er hat jetzt seinen Prozess im Griff – er weiß, wie man die Arbeit macht, und sie wirkt ausgefeilt . Nicht übermäßig marktorientiert oder unaufrichtig, sondern eher im Sinne von „Ich habe mein Handwerk verfeinert, sodass ich jetzt andere und größere Dinge tun kann“.

Ich denke, das kommt in seinem Bühnenbild für Mozarts Oper „Zauberflöte“ zum Ausdruck, das in einer spektakulären Miniatur-Bühnenkulisse plus Videoprojektion aus dem Jahr 2005 zu sehen ist, die vom Museum of Modern Art ausgeliehen wurde. Das habe ich auch bei dem von Ihnen erwähnten Stück „Kaboom!“ in der letzten Galerie gespürt. Die Arbeit kombiniert ein Multi-Projektor-Video mit einer Art realer Bühne/Leinwand. Das Video wird auf die physischen Requisiten projiziert und interagiert mit ihnen.

Mir wird jetzt klar, dass diese Stücke auch einen erweiterten Fokus für Kentridge darstellen – er ist weithin als der südafrikanische Künstler bekannt, der sich politisch mit der Apartheid befasst, aber diese beiden Werke erforschen Konzepte darüber hinaus: das eine ist eine allgegenwärtige Oper, das andere die Die Geschichte afrikanischer Träger im Ersten Weltkrieg ist kaum bekannt. Mit der Ausweitung des künstlerischen Ansatzes geht auch eine Erweiterung des Themas einher – das Gleiche gilt für seine Skulpturen aus The Nose, über die wir oben gesprochen haben.

„William Kentridge: In Praise of Shadows“, zu sehen im Museum of Fine Arts, Houston, 2023. Foto: Museum of Fine Arts, Houston

Dies führt mich zu dem Gedanken, dass Kentridge viel multidimensionaler ist, als er auf dem Papier erscheinen mag. Seine Arbeit ist ernst, verfügt aber über eine Verspieltheit und einen Humor, die dabei helfen, zu beweisen, was auch immer er sagen möchte.

JF: Richtig! Ich denke, es ist leicht, Kentridge als den Künstler einzuordnen, der Kohlezeichnungen durch Animationen zum Leben erweckt, die schwere Geschichten über Südafrika erzählen, aber ich vergesse oft, dass er im Grunde seines Herzens ein Performance-Künstler ist. In allem, was er schafft, steckt ein performatives Element, und darin liegt auch eine Faszination für das Absurde. Dieser spielerische Geist und Humor, den er in seinen künstlerischen Prozess einbringt, fesselt das Publikum. Obwohl seine Werke erzählerisch sind, bedeutet ihre Launenhaftigkeit, dass man nicht vorhersehen kann, was als nächstes passieren wird. Dann bringt Kentridge vor einem gefesselten Publikum einige der dunkelsten Teile der Geschichte ans Licht.

William Kentridge: In Praise of Shadows wird von The Broad, Los Angeles und seinem Kurator Ed Schad organisiert. Die Houston-Präsentation wird von Alison de Lima Greene organisiert. Die Ausstellung ist bis zum 10. September 2023 im Museum of Fine Arts, Houston, zu sehen.

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